Dez filmes indie e de Bollywood imperdíveis do século 21

De acordo com os críticos, a década de 1990 foi péssima. Mas na virada do milênio, as coisas só pioraram. Justamente quando todas as esperanças foram perdidas, milagrosamente, graças ao surgimento de uma nova geração de atores e diretores independentes, Bollywood se desviou para uma mudança sísmica cujo legado a molda até hoje.

Filmes de bollywood

Dê uma olhada em nossa seleção de filmes independentes e de Bollywood do século 21.

Pense na 'moderna' Bollywood e dois filmes se destacam. Ambos tão absurdamente diferentes um do outro em seus temas e estilos visuais que sua própria fala ao mesmo tempo pode soar como um ultraje para os cinéfilos. Tenha calma. Eles são Satya e Dil Chahta Hai. Não se surpreenda se a primeira pessoa a se ofender com essa declaração for o próprio Ram Gopal Varma, o 'gênio perdido' de Satya. E o homem que redefiniu a gramática do romance na década de 1990 com Rangeela. Mas dê-se um momento para deixar a comparação penetrar. Arranhe a superfície e eles têm algumas coisas em comum. Satya praticamente inventou o realismo moderno de Bollywood. Situado na terra dos gângsteres de Bombaim, era, em um nível, talvez mais fantasia do que realidade. De acordo com o rebelde RGV, hoje reduzido a um fantasma do passado, a coragem de Satya, começando com o título, foi influenciada pelo assombroso Ardh Satya de Govind Nihalani.



Em outras palavras, o que Satya fez ao 'realismo' o que Dil Chahta Hai de Farhan Akhtar fez ao urbanismo, uma estréia revolucionária que lançou as bases para todas as comédias urbanas que vieram depois. O DCH nos impressionou com uma nova representação do realismo urbano. Os gângsteres rudes de Satya falam muito como gângsteres rudes fariam, a menos que você conheça pessoalmente um mafioso astuto que, como o letrista Gulzar certa vez observou, invocaria Ghalib em vez de 'Goli maar bheje mein'. Por outro lado, os bons mots urbanos de Dil Chahta Hai foram provavelmente a primeira vez que você ouviu a fala milenar em uma tela hindi. Trechos do filme continuam a agraciar GIFs e memes.

Alimentado por cortes de cabelo da moda (isso é o que acontece quando sua esposa tem um salão de beleza), viagens rodoviárias em Goa e passeios diários para meninos de elite, DCH tem, desde seu lançamento em 2001, reunido um grande número de fãs. Se, às vezes, a maioridade do conjunto (estrelando Aamir Khan, Dimple Kapadia, Akshaye Khanna, Preity Zinta e Saif Ali Khan), com seus altos valores de produção, atua como um filme publicitário caro, culpe o diretor Farhan Akhtar (extraindo experiência pessoal de privilégio e rejeição para despejar no roteiro) que começou a trabalhar em publicidade antes de seus dias de cinema.



Hoje, podemos ter perdido Farhan Akhtar The Director para, infelizmente, Farhan Akhtar The Actor. Sua estréia aconteceu em um momento em que Bollywood precisava urgentemente de novas vozes ousadas. Isso foi muito antes de Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj e outros arautos da esperança entrarem em cena para nos dar sua própria interpretação de 'amor' como se desafiassem a fórmula de Bollywood. Enquanto as fábricas de brilho de Karan Johar tratavam de amar sua família, Kashyap, Bhardwaj e outros pareciam derrubar essa ideia em desafio aberto, defendendo, em vez disso, famílias disfuncionais e relacionamentos que provavelmente eram mais reais do que as emoções do designer de Johar.

O cinema hindi marcou o milênio com Amitabh Bachchan, o maior de todos, lutando para encontrar seu encanto perdido via Mohabbatein, o nascimento de Hrithik Roshan (também, lamentavelmente, de Amisha Patel em Kaho Naa..Pyaar Hai) e um clássico Akshay Kumar - acampamento Suniel Shetty chamado Dhadkan, no qual Anna, residente de Bollywood, se tornou uma amante rejeitada. Os sucessos de 2000 foram em sua maioria cortados do mesmo tecido dos anos 1990, o cordão umbilical finalmente cortado pelo Santo Graal que foi Dil Chahta Hai.

melhores filmes hindi românticos

A década de 2000 pode ter tido um começo provisório, mas no final, como se viu, provou ser uma era inestimável, que nos deu dezenas de filmes influentes para estimar e pensar - um legado que continua até hoje. O desenvolvimento mais extraordinário do cinema hindi do século 21 é o aumento inesperado de talentos diversos como Irrfan Khan, Nawazuddin Siddiqui, Rajkummar Rao, Manoj Bajpayee, Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj, Radhika Apte, Ayushmann Khurrana, Sriram Raghavan, Alia Bhatt e Vicky Kaushal, para citar alguns. Em um ecossistema de liberdade recém-descoberta e nova hierarquia, os filmes hindus tornaram-se um reflexo da sociedade em que vivíamos e expressões intensamente pessoais daqueles que faziam essa marca intransigente de cinema, ajudando a explicar um ressurgimento criativo em Bollywood nunca antes visto. Se foi o caso de finalmente encontrar o pulso do público, um grupo de cineastas não convencionais forçando seu gosto refinado e enciclopédico no público ou simplesmente, que os cinéfilos ficaram espertos, é difícil dizer. A fé no bom cinema foi restaurada. À medida que as fronteiras entre arte e comercial caíam como o Muro de Berlim, histórias interessantes surgiram dos escombros, quebrando todas as regras e normas.

Khosla Ka Ghosla de Dibakar Banerjee (2003), Munnabhai MBBS de Raju Hirani (2003), Swades de Ashutosh Gowariker (2004) e Dev.D de Anurag Kashyap (2009) foram alguns dos pilares da última década. Os tipos de filme costumam ser cautelosos com a publicidade, mas é fácil esquecer o quanto a publicidade enriqueceu esse meio. Satyajit Ray e Shyam Benegal devem ser suficientes para mencionar nomes por enquanto. Assim como eles, a experiência em publicidade de Dibakar Banerjee o ajudou a entrar no cinema. Uma comédia gentil que imediatamente ganhou as comparações de estreante com as obras de Hrishikesh Mukherjee, Khosla Ka Ghosla é um pedaço da vida que encontrou seu público dedicado ao longo dos anos. Mas, ao contrário do amado Mukherjee, a carreira do companheiro bengali construiu um futuro tentadoramente diferente desde então.

Em 2005, você terá a velha guarda Sudhir Mishra entregando o que há de melhor. Bêbado igualmente por Marx e Ghalib, Hazaaron Khwaishein Aisi combina as paixões gêmeas do diretor - poesia e política. O fato de estarmos vivendo um momento importante pode ser julgado pelo fato de que foi possível para Dibakar Banerjee e Anurag Kashyap fazer filmes ao lado de seus predecessores como Mishra e Mira Nair. Aliás, Nair trouxe a década com Monsoon Wedding, um crossover clássico de 2001 que, de acordo com o crítico Philip French, foi seu melhor filme desde sua memorável estreia em 1988, Salaam Bombay!

Nossos dez títulos refletem nossa tentativa de reduzir o melhor da era pós-2000, incluindo os recentes como Piku, Mukti Bhawan e Dangal. Altamente ativo e, no entanto, mais lento do que seus colegas, Padmaavat e Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali estão em nossa lista. Estas duas magnum opuses são o melhor representante da grande sensibilidade do SLB, estilo visual, seu bom ouvido para a música e sua própria capacidade de evocar visões de beleza. Um épico histórico de cada vez.

Ao lado dos épicos, estão listados pequenos filmes pouco apreciados que alguns de vocês podem ter perdido no lançamento inicial. Vamos deixar você descobrir esses, junto com os familiares. Sinta-se à vontade para discordar.



Padmaavat (2018)



‘Allah ki banayi har nayab cheez par sirf Alauddin ka haq hai’ - Alauddin Khilji

Padmaavat

Deepika Padukone e Shahid Kapoor em Padmaavat. (Foto: Bhansali Productions)

Os melhores filmes de Sanjay Leela Bhansali são muitas vezes, no fundo, triângulos amorosos condenados - Hum Dil De Chuke Sanam, Devdas, Saawariya e Bajirao Mastani. O revestimento superior Deepika Padukone, Shahid Kapoor e Ranveer Singh, Padmaavat não é diferente. Como sempre, Bhansali se propõe a fazer uma magnum opus e quase consegue desta vez. Você pode ver o toque SLB em quase todos os quadros, cuidadosamente elaborado como um mural barroco que conta a saga da rainha guerreira Padmavati (Deepika Padukone) e do rei Ratan Singh (Shahid Kapoor), cujo único objetivo é lembrar os espectadores das muitas características ( guroor, usool etc) que definem o orgulho Rajput. Entra Alauddin Khilji, interpretado por Ranveer Singh, a musa favorita de Bhansali. Khilji é um intruso, em seu casamento e na Índia, com planos malignos para ambos. Desde o momento em que Bhansali o apresenta como mulherengo no dia de seu casamento, você sabe que Khilji é imprevisivelmente desagradável, mas estranhamente excitante. O menino de ouro de Bhansali interpreta o poderoso desafiante do Sultanato de Delhi com uma mistura de acampamento enigmático e trapaceiro de show de papai. Por sua vez, um objeto de paródia e piedade, ele desperta forças sombrias o suficiente para fazer de Padmaavat seu ás. Dobrando como diretor e compositor musical, Bhansali usa drama, cenografia, música, ambiente e linhas contundentes dignas de K Asif para criar um monumento inconfundível do SLB que é tão cinematicamente enigmático quanto historicamente falho.



Mukti Bhawan (2017)

‘Koshish karne se kaun marta hai’ - Sra. Verma

Mukti Bhawan

Uma foto de Mukti Bhawan. (Foto: Imagens em movimento do tapete vermelho)

Dado que o orçamento relativamente baixo e sem estrelas de Shubhashish Bhutiani, Mukti Bhawan, é uma meditação sobre a 'morte', você pode se surpreender ao descobrir que é tão cheio de vida, tudo isso nitidamente observado e com um tremendo senso de humor. Bhutiani opõe a Índia moderna - com telefones sempre tocando perturbando os horários pacíficos das refeições em família, chats no Skype em cyber cafés decadentes, garotas andando de scooters - com a Índia tradicional e seus valores e rituais fixos. O filme começa com o idoso Dayanand Kumar (Lalit Behl) declarando que seu tempo acabou. Seu filho zeloso, o sábio mundano Rajiv (Adil Hussain) é um chefe de família no sentido hindu da palavra. Como deixar tudo para trás para acompanhar seu pai em sua jornada final para a salvação? Relutantemente, mais por um senso de dever do que por amor, o filho concorda em uma viagem para Banaras, a cidade sagrada hindu onde Daya escolheu morrer. O título Mukti Bhawan se refere a uma estalagem movimentada onde velhas almas vagueiam para morrer, mas como o dono da estalagem avisa incisivamente no início, Você tem no máximo 15 dias para morrer. Depois disso? pergunta um Rajiv perplexo. _Vá para casa! _ Bhutiani tem um talento especial para localizar o humor negro nas situações mais mundanas. Então, você tem o estalajadeiro afastando um garoto curioso no meio de oferecer pérolas de sabedoria sobre 'salvação' ou quando Rajiv responde com um irônico (esta pode ser a linha mais engraçada do filme) Milionários comem frutas, não sábios para as exigências de seu pai comprar frutas para o almoço depois que o velho repentinamente é inspirado a seguir a dieta de um sábio. O relacionamento de Rajiv com o pai Daya forma o núcleo emocional de Mukti Bhawan e como a dupla se une (uma cena ambientada no Ganges quando Daya compartilha seu desejo de renascer como um canguru é emblemático do tipo de humor que este filme revela), apesar das dúvidas iniciais de Rajiv , a mensagem do filme fica clara: aprenda a se soltar.



Dangal (2016)

'Mhari choriyan choron se kam hain ke?' - Mahavir Singh Phogat

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Um pôster da estrela de Aamir Khan, Dangal. (Foto: Aamir Khan Productions)

Poucas estrelas sabem a importância do 'melodrama' e sua curiosa relação com o 'entretenimento' no contexto indiano como Aamir Khan. É essa capacidade de se equilibrar na arte alta e baixa que o tornou um rolo compressor de bilheteria. Em Dangal, um drama esportivo inspirado na vida do treinador de lutadores Mahavir Singh Phogat e suas filhas medalhistas de ouro Geeta Phogat e Babita Kumari, o diretor Nitesh Tiwari sabe com tanta certeza quanto Khan e o resto do elenco talentoso que este é um Veículo de Aamir Khan por todo o caminho. Em Rang De Basanti, Khan permitiu que outros meninos se apresentassem e salvassem o dia. Desta vez, ele vai impulsionar o clímax, apesar do público torcer de todo o coração pelas meninas. A principal preocupação do filme é como Mahavir (Khan), um pequeno ex-homem que vagueia pelos akadhas (anel), tornando a vida um inferno para suas filhas (a música Bapu, sehat ke liye tu toh hanikarak hai é o apelo fervoroso das meninas contra o regime do papai), irá chicotear os novatos Geeta (Zaira Wasim, Fatima Sana Shaikh) e Babita (Suhani Bhatnagar, Sanya Malhotra) em uma máquina ganhadora de ouro. O filme começa com o desejo de Mahavir por um herdeiro homem, mas quando suas filhas voltam para casa depois de agredir um rapaz local, ele rapidamente identifica seu talento pugilista oculto. Como a maioria dos Khan para agradar ao público, Dangal é um confronto emocional que fica muito feliz em lançar um punhado de questões sociais (patriarcado, empoderamento das mulheres, apatia institucional, o que você quiser).



Piku (2015)

‘Kamaal hai, aap har baat ko pet ke saath kaise jodd dete hain?’ - Rana, proprietária da agência de transporte

filme piku

Deepika Padukone e Amitabh Bachchan em Piku. (Foto: MSM Motion Pictures)

A última vez que Amitabh Bachchan jogou com Bhaskar Banerjee foi em Anand, uma icônica tragicomédia de 1971 que marcou o início de suas entradas extraordinariamente longas. Mais de quatro décadas depois, Bhaskar retorna como um pai hipocondríaco para a milenar Deepika Padukone nesta fase da vida. O diretor Shoojit Sircar e o escritor Juhi Chaturvedi são fãs das comédias calorosas e cotidianas de Hrishikesh Mukherjee. Em Piku, Bachchan serve como um elo com o passado distante, um lembrete oportuno de que Hrishikesh Mukherjee se foi há muito tempo, mas sua influência está muito viva e dando início a novos cineastas. (Khosla Ka Ghosla pode funcionar como uma bela conta dupla com Piku). Observe a ironia gentil: em Anand, Bhaskar era um médico, enquanto o Bhaskar de Piku (ou Bhashkor, como o filme prefere chamá-lo) é o tipo de paciente chapeleiro louco que levaria o médico sério e tímido de Anand, Bhaskar, parede acima. Ele é indevidamente obcecado com a digestão - como a maioria dos bengalis, aparentemente. Sircar contrasta o irritante e exagerado Bhaskar com a reserva quieta e obstinada de sua filha, Piku (Padukone). Este filme é sobre o vínculo improvável deles. Em uma cena engraçada, Bhaskar tenta dissuadir um jovem que pode estar interessado nela, dizendo: Ela não é virgem. Ele não quer que ela se case e o deixe se defender sozinho. Piku é sobre família e paternidade (com muita conversa fiada passando como uma marca típica de humor bengali), mas também sobre cuidados, um assunto que Sircar e Chaturvedi revisitariam alguns anos depois, no não celebrado outubro (2018). Surpresa: a química incomum de Irrfan Khan e Padukone, enquanto o filme embarca em uma viagem divertida.

Jim Carrey em Sônico


Bajirao Mastani (2015)

'Aap humse hamari zindagi mang lete hum aapko khushi khushi de dete, par aap ne toh humse hamara guroor hi cheen liya' - Kashibai

bajirao mastani

Ranveer Singh no Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali. (Foto de arquivo expresso).

O herói de Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali tem que provar que é digno do trono de Peshwa. Visando seu alvo, sua flecha afiada atinge o centro do alvo. O objeto não é a cabeça do inimigo, mas uma pena de pavão inofensiva. Escondidos abaixo estão montes de simbolismo. Na narrativa de Peshwa Bajirao (Ranveer Singh), o pavão é um símbolo do império Mughal, a terra abaixo é solo indiano, enquanto a flecha fatal pertence aos valentes Marathas. A pena de pavão tem ressonância simbólica para os eventos que se seguem, já que o guerreiro Maratha se apaixona pelo Mastani muçulmano (Deepika Padukone). Este é um artifício clássico de Bhansali - preparando o cenário para um final infeliz. Cada observação e argumento em Bajirao Mastani vem farpado por uma catarse de dois gumes. Como Mastani lembra a esposa de Bajirao, Kashibai (uma cintilante Priyanka Chopra), ele segurou minha mão, mas nunca deixou a sua e forjou um vínculo comigo, garantindo que a sua não fosse quebrada. Para Kashibai, essa foi uma maldição que se formou há muito tempo. Há uma cena estelar no início, quando sua amiga viúva carregando as cinzas de seu marido a adverte que, como ela, um dia ela sofreria por amor. Aí está você, o desejo, o tormento e a perda por excelência do SLB - cada personagem passa por isso, pois o 'triângulo' nada mais é do que um círculo de agonia e êxtase.



Tribunal (2014)

‘Os tempos difíceis chegaram / Estamos desenraizados de nosso solo / Esta era de cegueira / Arrancou nossos olhos’ - poesia de Narayan Kamble (Sambhaji Bhagat)

Tribunal, Prêmio Nacional de Cinema, 62º Prêmio Nacional de Cinema, Chaitanya Tamhane,

O tribunal é dirigido por Chaitanya Tamhane. (Foto: Zoo Entertainment Pvt Ltd)

O sistema de justiça indiano é notoriamente lento. A estreia de Chaitanya Tamhane observa a busca indiana por justiça com um distanciamento frio. A câmera segue não apenas o que se passa dentro do tribunal, mas também fora, na vida e na mente dos guardiões da justiça. O ativista social e cantor de protesto Narayan Kamble é preso pelo suicídio de um funcionário da rede de esgoto, que se inspirou a tirar sua vida depois de ouvir uma das emocionantes canções folclóricas de Kamble. Muito desse filme discreto e limitado acontece no tribunal de Mumbai, quando Kamble é convocado para a audiência. Um dos personagens mais fascinantes é o advogado de defesa Vinay Vora (Vivek Gomber) que, embora represente a casta inferior Kamble, não pode estar mais socialmente afastado dele. Privilegiado e um homem de gosto refinado (amante de queijo, vinho e jazz), como ele pode realmente se considerar um campeão dos pobres ao mesmo tempo que leva uma vida de elite? Em comparação, o promotor público Nutan (Geetanjali Kulkarni) leva uma vida mais simples, incorporando a mesquinhez de classe média que a coloca na mesma classe social de Kamble. A visão de Tamhane sobre a lei e os legisladores é satírica e empática alternadamente, mas a única coisa que é crucial para seu sucesso é o quão observacional e objetivo ele se revela. Bem atuado (principalmente um elenco novato) e instigante, Court é um triunfo do naturalismo.



The Lunchbox (2013)

‘Kabhi kabhi galat train bhi sahi jagah pohocha deti hai’ - Shaikh

irrfan khan

Irrfan Khan em uma foto de The Lunchbox. (Foto de arquivo expresso)

'Almas solitárias se encontram em latas de tiffin indianas'. Foi assim que The Guardian cumprimentou o favorito do festival de Ritesh Batra, estrelando o metamorfo Irrfan Khan ao lado de Nimrat Kaur e um promissor Nawazuddin Siddiqui. O crítico indiano Baradwaj Rangan foi mais criativo. Coma, vagueie, ame, resumiu. Também conhecido por sua eficiência, o lendário serviço de dabbawala de Mumbai entrega a lancheira fumegante para o viúvo Saajan Fernandes (Khan), em vez de seu legítimo proprietário, o marido da dona de casa Ila (Kaur). O raro lapso do dabbawala resulta em uma das histórias de amor mais charmosas que você verá no cinema hindi, um retrocesso à estética mais simples e ao estilo de vida nada excepcional que pode tornar o Mumbaikars um pouco nostálgico. Em uma entrevista do India Today, Batra deu algumas dicas sobre o erro de entrega, Existem elementos realistas mágicos intercalados na história. O público pode tirar suas próprias conclusões, mas não acho (erro de entrega) um erro. Eu sinto que é um milagre. Filmado com o ritmo lento de um romance (que permite esboços de personagens com nuances), The Lunchbox é uma demonstração magistral das habilidades de Irrfan Khan enquanto ele tenta retratar a vida interior de um funcionário do dia-a-dia que pode ter esquecido o significado da esperança , amor e a própria vida. Ila desperta suas emoções adormecidas e, após uma longa troca de cartas clandestinas enfiadas na lancheira, os estranhos finalmente reúnem coragem para se encontrar. Uma das alegrias de The Lunchbox é a improvável combinação de Irrfan Khan e Nawazuddin Siddiqui, mas vendo o filme, você pode não ser capaz de adivinhar a passagem simbólica da tocha - nem um espectador inocente seria capaz de prever a ascensão histórica de Nawaz ao estrelato . Este é um filme sobre a trivialidade poética e sem alarde, o tédio e o zumbido de vidas despretensiosas e seus anseios, o Chhoti Si Baat, Baton Baton Mein e Wagle Ki Duniya de nossos tempos.



Navio de Teseu (2013)

‘Hamare har kaam ka prabhav kaal akash par rehte har parmanu pe padhta hai’ - monge Maitreya

Nave de Teseu

Uma foto do filme Nave de Teseu. (Foto: Recyclewala Films)

Quando o Navio de Teseu do prodígio Anand Gandhi foi lançado em 2013, Shekhar Kapur, Sudhir Mishra e Dibakar Banerjee imediatamente se declararam fãs. Contemplativo e intelectual, o Navio de Teseu deriva seu poder dos conceitos de filosofia, identidade, ética e religião. Para um cineasta tão jovem (Gandhi tinha apenas 33 anos na época de seu lançamento), foi um bocado difícil. Inspirado pela parábola de Plutarco que levanta a questão incomum: 'Se todas as peças do navio forem substituídas ao longo do tempo, é realmente o mesmo navio?' O navio de Teseu transforma o experimento mental em um tratado usando a doação de órgãos para enfatizar a escolha humana e a moralidade. Desdobrando-se em três parcelas paralelas, a primeira mostra uma fotógrafa cega (Aida El-Kashef) que está se acostumando com sua deficiência. Em seguida, encontramos o afável monge Jain (Neeraj Kabi como Maitreya) que está preso entre a reconciliação da existência e da sobrevivência com sua ética moral e ideologia que ameaçam sua própria vida. Lutando para diminuir o 'sofrimento' de qualquer tipo, o sábio recusa o tratamento, alegando que os medicamentos foram testados em animais. E sobre a violência que você está cometendo contra si mesmo por não tomar remédios, argumenta Charvaka, uma jovem advogada frustrada com a visão teimosa de Maitreya. Do ponto de vista de Maitreya, a resposta para a difícil questão do 'significado da vida' reside na iluminação e eventual liberação do sofrimento perpétuo de vida e morte. O terceiro - e mais relatável episódio - pertence ao corretor da bolsa Navin (Sohum Shah) que, em busca de redenção, embarca em uma jornada até a Suécia para ajudar um homem pobre a recuperar seu rim. Todos os três protagonistas, como a nave fatídica, viram suas partes corporais mudarem. Mas quem sabe, um pouco de seu eu original estava enterrado em algum lugar nos escombros de seus novos corpos? Visualmente sublime, cheio de ideias inteligentes e argumentos cerebrais e uma homenagem ao cinema como um recipiente para o pensamento e a filosofia, Nave de Teseu evoca um quebra-cabeça sobre a vida e a existência, seus mistérios e significados. Veja também: Tumbbad (2018) de Rahi Anil Barve do estábulo de Gandhi é um banquete visual, um mito gótico ganhando vida.



Hazaaron Khwahishen Aisi (2005)

‘É por isso que não consigo entender vocês, crianças ricas, jogando este jogo de‘ vamos mudar o mundo ’. Enquanto você está procurando uma saída Eu estou procurando uma maneira de entrar '- Vikram

Hazaron Khawishein

Chitrangada Singh e Shiney Ahuja em Hazaaron Khwaishein Aisi. (Foto de arquivo expresso)

Sudhir Mishra, de olhos sonhadores e endurecidos pelas batalhas, estava defendendo o 'indie' muito antes de o termo ganhar popularidade. E, no entanto, o cineasta de cabelos grisalhos e carismaticamente divagante teve que lutar por relevância quase todas as décadas. Ninguém está sugerindo que todos os seus filmes são ótimos - ele admite que alguns são halki (leves) - mas aqueles pelos quais ele é mais conhecido sobreviveram ao teste do tempo. Estes incluem Dharavi (1991) e o culto Yeh Woh Manzil To Nahin (1987) e Is Raat Ki Subah Nahin (1996). De longe, Hazaaron Khwahishen Aisi é o mais realizado de todos, um filme tão intensamente pessoal quanto político que consegue atingir a nota certa entre a anarquia e o romance de Mirza Ghalib e o idealismo deslocado e a violência emocional do naxalismo. Com camadas densas e bem representadas, Hazaaron Khwahishen Aisi, ambientado em Delhi dos anos 1970, narra a vida dos amigos Siddharth (Kay Kay Menon), Vikram (Shiney Ahuja) e Geeta (Chitrangada Singh).

O socialista Siddharth se rebela contra seu passado privilegiado para trazer a revolução. Vikram é provavelmente o seu oposto - um filho abandonado de um pai rico que quer ficar mais rico. Ele eventualmente se torna um poderoso fixador nos círculos de Delhi. Mais equilibrado dos dois, o Geeta é a sua distração. Em sua primeira apresentação, Chitrangada Singh tem uma semelhança impressionante com a grande Smita Patil, fazendo você se perguntar se Hazaaron Khwahishen Aisi foi feito na década de 1980, com Patil escalado ao lado de Naseer-Om Puri em que tipo de filme ele teria se tornado. Pensamento positivo!

Enquanto isso, Mishra gosta de colocar todas as conversas vazias de revolução, justiça social, igualdade e mudança na boca de seus personagens. Em cenas que podem ressoar mais hoje, ele abre o filme em um ambiente semelhante ao de JNU, onde os filhos de Bob Dylan e Jimi Hendrix dançam e bebem todas as noites enquanto criam 'laal salaams' e sonham com paz e prosperidade, como diz o cínico Vikram. O humor irônico de Mishra está lindamente incorporado ao roteiro. Por exemplo, a cena em que um rico senhorio sofrendo um ataque cardíaco concorda em ser tratado por um médico de casta inferior, um herdeiro que ainda acredita no socialismo, mas não pode jogar fora as armadilhas da riqueza ou quando Vikram urina a céu aberto, cantando, Se há bem-aventurança, é isso. O filme é fortemente movido pela nostalgia. É um elogio e uma elegia ao sonho e à decadência dos anos 1970, uma geração que eu adorei, também a geração que falhou, Mishra disse uma vez à revista Outlook, acrescentando: Além disso, também há beleza, juventude e paixão. E quando se desvanece, a ideia de amor ainda permanece. Não é à toa, eles o chamam de 'romântico incurável'.

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Dil Chahta Hai (2001)

‘Hum bolo khaane ke liye kahin bhi jaa sakte hai’ - Sameer

dil chahta hai

Akshay Khanna, Saif Ali Khan e Aamir Khan em Dil Chahta Hai. (Foto de arquivo expresso)

Amizade, viagens rodoviárias, maioridade e família disfuncional são o núcleo do cinema de Farhan e Zoya Akhtar, e Dil Chahta Hai é sua conquista suprema. Mais do que isso, o filme é realmente sobre 'amor' - e como os protagonistas respondem a ele. Akash (Aamir Khan) é avesso ao amor. O que é toda essa coisa de amorzinho? ele pergunta ao espumante Shalini (Preity Zinta). Ela se afasta dele, encolhendo os ombros, Você não vai entender. Sameer (Saif Ali Khan), por outro lado, confunde paixão com amor. Mais maduro dos dois, o reservado Sid (Akshaye Khanna) é o único que realmente entende o significado do amor. Seu amor pela muito mais velha Tara (Dimple Kapadia) é profundo, algo que sua família e amigos não compreendem totalmente no início. A plataforma de lançamento de Farhan Akhtar não contém reflexões filosóficas sobre a natureza da amizade e do amor, mas puxa os socos emocionais certos. 19 anos depois, continua tão fresco e divertido como sempre.

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